绘画中的 “ 辩证法”
这个题目太大，不是一两篇文字所能包容得下，因为艺术的专著文论许许多多，名不名的人都谈过，而且门类又比较繁杂，自己也有些一知半解之处，看到有些年轻的朋友与普通欣赏者对绘画的基本要素有点迷糊，就忍不住地想告诉一点自己的体会，不敢有施教的妄念；希望比较喜欢绘画的人意识到：绘画艺术并不是为所欲为的，但又确实需要“为所欲为”！因此，知规矩、守规矩、再破规矩、自立规矩，这是必须的渐进阶段。
宇宙存在明暗两种大物质，自然界又无处不是辩证地相互依存，我们人类也是自然界的一个分子，画家所做的一切就是这种辩证关系的视觉显示意义。只有在画面里把这种辩证关系处理的比较好了，那么，你所做的一切就可能会适合人的视觉审美需要了。
艺术门类有听觉、视觉、触觉，感觉等等大的分别。我简述引用其它门类，为的是能旁证绘画和视觉艺术，在视觉艺术范围内又主要的说说绘画，在绘画艺术方面就可能在油画上发言多一些。
字典里写：事物矛盾的运动、发展、变化的一般规律。。。事物运动和发展的根本原因在于事物内部的矛盾性。对立、统一规律，是宇宙的根本规律。。。
画面就是我们内心的一种客观视觉表现，它必须有自身的对立统一因素才能成为真正的艺术形式。我们在开始“绘制”一个事物之形状都是用线起步的，这条线就界定了所要表达事物的具体形状，哪怕是一个抽象的型。这根线的本身就具有人的生存感受，人的喜怒哀乐。轻飘与厚重、巧妙与笨拙、稚嫩与枯涩、爽快与缓和、暧昧与明确等等都显示了绘画人的潜意识。线不仅仅表现了物象形状的界限，同时也是我们自己心绪的流露。我常常想到一些器乐的长音，他们就是听觉的线啊！点就是一种线的有秩序断裂，我们也可以说它是线的似断非连，线也就是点的密集排列，点之大小就有了斑、片、面的区分。许许多多的点整齐划一或者它疏密有致的大面积并列就成为了面，就可能有了乐曲中交响的联想，每当打击乐和短促的乐音响起，我就不由自主感受到视觉艺术的点，我在绘画实践中，处处体会到音乐的节拍，绘画中的节奏、虚实，松紧如果处理好了就是视觉上的音乐。画面上的点线面又是一种大小、强弱、主次、整体和局部关系的微妙协调。为什么我在临摹了董其昌的山水后，就觉得意味深长，这可能就是体验了他把为人处世的经验规律，恰如其分的用笔意表现在了画面上。梵高在一幅表现犯人放风的画里，把点式笔触有意识地进行排列从而使人感觉到监牢的压抑。
一幅比较好的绘画，点线面的关系要处理的相得益彰，那么这三种因素还需要感觉上相互的支撑，这种支撑只是画面上的对立统一之需要，在画面上如何去运用就体现了画家的心性和修养。
我们选择要表现的物象上就不难看出了你的好恶观，因为许多的物象如果运用到了画面上，它就具有了视觉象征的精神意义，我们的好恶观就用这些物象作代表，它具有什么样的性质、什么样的形状就是我们的美感认知体现，我们为什么要画它？它究竟代表了人类何种美好的愿望？你自己觉得它究竟美在哪里？你是否考虑到观者的心理向往？我们选择的物象形状就是我们的审美趋向之符号，我们的心态就是这些物象的具体反映。绘画的初步阶段就是面对自己喜欢的物象去写生，仅仅做到了是一种技术性的照搬，好的画家就是在此基础上有了自己独特的审美选择与强化，是一种类似的现实客观之升华，是一个人内心世界的综合因素之表现。
对物象形状的选择是方圆、粗细，枯涩、圆润、厚重、轻薄等等大小比例的并存，哪怕是一个抽象的形状，这个形状的外沿与内容都需要有一种美感的比例；这就是我们做人的修养以及天赋如何显现的自然。其实也是自然界事物在我们心里的具体反映，不同的是：它经过我们自己的审美选择与认知的曲折，最终以画面上的视觉效果来叫人一目了然。
矛盾的对立统一规律还体现在选择画面的色彩上，色彩的冷暖、秽浊、靓丽、透明、含糊、灰暗、强烈等等的关系处理是具有极大的情感因素，我们是什么样的心理状况，我们的色彩就是最明显的代表，一个心底肮脏的人，他的画面让人能看到的不是干净颜色。一个情调高雅的人，他（她）不由自主地就排除了那些易于叫人看起来俗气的色块。接下来，我们必须要知道：一幅画的色调比具体物象的色彩更重要！就像我们的合唱声里不能有非协调的尖叫声一样。每一种颜色都是人的生存体验象征，每一种颜色本身也具有辩证的两种感情意识。仅仅举黑色为例，它既是死亡的象征，也有静穆的含义，就看你如何的巧妙处理运用了。每一个画面的调子决定了你要表达的主题，但是没有色相对比就是色彩素描了，当然不排除还有其它更高明的使用方式。（一些较高层面的绘画追求；即避免纯技术熟练和不引起生存经验真实感觉的造型语言。以后另谈。）
我们的古人水墨画就是一种对于色彩运用极其单纯的处理，它不是简单的，而是墨分五色的感觉升华。墨本来就是黑乎乎的，可是我们的老祖宗就是把它操弄得不仅仅有五色重淡之分，而且还使墨团有了色相的感觉。对立统一的辩证运用在色调的关系上，即是灰色的基调也需要纯度高的单纯色比例作适当的衬托，大面积的亮色就适宜需要灰色与黑来形成对立性的互补。。。所以，色彩面积大小的使用是我们的情感审美在起着很大作用。雅或俗的美学趋向取决于人之内心也来源于自己的学养！
我在一个网友介绍“梵高”作品的留言中说：他把笔触的美感韵律发挥到了极致！这句话就是我想说的怎么用笔表现是一个不可忽视的绘画因素。线有轻重缓急，点有大小疏密，每一个笔触就是我们绘画的过程记忆，我们的情感是顺着笔杆的挥动留下了视觉美的斑痕，它们也需要智慧的精心安排。物的空间形状也是需要有区别，各种方位的扁、圆、高、低、正、侧也不能含糊。型的外沿其实就是我们自己的为人处世之品行，我们看看范宽的山水画就能有所体会，宽就是人们对他画作和品性的赞誉，伦伯朗的油画造型也是比现实的人物形状要大些许。一些松动美妙的绘画用笔，就能使观者心情愉快，那些紧巴巴的边沿处理就会让人内心骤觉紧张。含糊笔意的模棱两可叫人迷惘，明确肯定的挥毫就是坚决和果断。优秀的画家总是不经意地把笔触变成了一种情感宣泄的形式。
画面上具象和抽象的关系也不是一成不变，画面构图往往就是一种抽象构成在起着主要的作用，它就是要如何解决好人们看画面时心理中需要的一种视觉平衡感。具象绘画的每个局部差不多就是抽象的色斑或笔触，要不就是线和面非确定因素之间的比例，只有从整体的关系上把握了具象的主题，才是一张松动的绘画。抽象作品也是需要每个局部都有着与整体对比的处理，这种处理的智慧就是视觉艺术的美之旋律；而不是我们的标题字意所能涵盖的了。所以，一张抽象的绘画如果勉强地标上了字意限定的题目，已经不仅仅是画蛇添足了。画得过于逼真就没有观者的遐想空间了；说白了，绘画其实就是一首视觉的乐曲啊！
绘画的方式各有窍门，技术也是一天天地积累起来的。网上和现实中有许多的优秀画家作品就给我们提供了范例。怎么画，就是和怎么做人有极大的关联，我们必须要有文化修养的智慧，要有比较执着的刻苦磨练，仅仅有小聪明是不够的。需要平和的心态，需要笨拙的下功夫，还是那一句老话：勤奋是百分之九十九加上百分之一的天赋，胜利会向我们招手！
我自己在绘画的过程中，客观实际的生存危机无所不在地折磨着自己追求绘画语言的实现，如果不敢与自己的过去做否定之否定，那些比较现实的生存状态就会抹杀探索艺术的信念。历史上许多经典的作品就是佚名画家之作啊！所以，画得好了首先是自己的幸福体验。千万不能把自己架得太高，只有把心态放低，认真地干好每一次的活计，享受绘画过程里的愉悦，才能开心地过好每一天！
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